Accélérateur d'entrepreneurs 2026
Soutenu par : L’engagement Prêts à agir TD, FACTOR, le gouvernement du Canada, Ontario Créatif et Creative BC.
Restez à l’écoute pour connaître les dates limites de candidature pour 2026.
Women in Music lance la septième édition annuelle de son programme Accélérateur d’entrepreneurs, axé sur le soutien à la prochaine vague de femmes et de leaders de l’industrie musicale canadienne de diverses identités de genre. Cette année, une cohorte de 30 participants sera acceptée pour apprendre ensemble et bâtir une communauté entrepreneuriale. Le programme est ouvert aux entrepreneurs en début de carrière ou en transition de carrière dans l’industrie et aux artistes entrepreneurs. Chaque participant sera jumelé à un mentor professionnel tout au long du programme, en fonction des objectifs et des intentions individuels du participant pour le programme.
Les séances incluses dans le programme global comprennent les éléments suivants, tous vus sous l’angle d’une entrepreneure ou d’une personne de genre divers :
- Principes fondamentaux de l’entrepreneuriat
- Canevas de modèle d’affaires allégé
- Atelier de développement de marque (volet industrie)
- Principes fondamentaux du marketing et des ventes (volet industrie)
- Principes fondamentaux du leadership (volet industrie)
- Connaissances financières et impôts
- Principes juridiques fondamentaux
- Collecte de fonds et rédaction de demandes de subventions
- Présentations (volet industrie)
- Sources de revenus dans la musique (volet artiste)
- Découvrabilité (volet artiste)
- Bâtir une équipe (gestion de projet) (volet artiste)
- Synchronisation et édition (volet artiste)
Women in Music Canada valorise la diversité, l’équité et l’inclusion, et accueille et invite les femmes et les personnes de diverses identités de genre issues de milieux divers à postuler.
La date limite de candidature est à déterminer.
Les candidats retenus seront avisés.
L’Accélérateur d’entrepreneurs 2026, y compris le programme de mentorat, se déroulera en ligne d’octobre à novembre 2026. Les séances auront lieu chaque semaine en soirée, les heures et les jours précis étant à déterminer.
Vous recevrez un courriel contenant les renseignements relatifs à votre demande une fois que vous l’aurez soumise. Si vous avez des problèmes avec le formulaire ou des questions concernant le programme, veuillez communiquer avec info@womeninmusic.ca
Participants à l'Accélérateur d'entrepreneurs 2025
Aiden McRorie Wilson
Aiden McRorie Wilson (elle/elle) – Aiden est farouchement engagée et passionnément créative. Née et élevée à Saskatoon, en Saskatchewan, elle possède une affinité bien développée pour l’exploration de toutes sortes de poursuites musicales. Elle a fait partie d’équipes de direction de centres artistiques et culturels, a fourni un soutien administratif à de nombreux festivals de musique canadiens de toutes formes et tailles, et se produit localement avec des groupes de plusieurs genres. La passion d’Aiden pour la créativité, son désir incessant d’apprendre et son sens profondément enraciné de la justice sociale servent de piliers pour guider son engagement et ses efforts de sensibilisation.
Le paysage de la musique, des arts et des événements au Canada, sans parler du monde entier, est en constante évolution. Au fur et à mesure qu’il croît et évolue, Aiden cherche à utiliser l’espace et le privilège dont elle dispose pour collaborer avec d’autres et profiter de toutes les occasions d’améliorer ses propres compétences et d’élargir son éventail de capacités. En plus de travailler à temps plein, d’être animatrice de radio bénévole et d’aider à un camp provincial de bluegrass, Aiden prend le temps de jouer de la guitare et de chanter avec le groupe country-folk Gil & Wil, basé à Saskatoon, un nouveau projet de duo avec sa meilleure amie et camarade de groupe Holly Gilroy, aussi souvent que possible. Elle est très fière de donner le meilleur d’elle-même à son travail et à sa musique, ainsi qu’à l’industrie qui lui a permis d’entretenir certaines des relations les plus significatives auxquelles on puisse aspirer.
Ana Lia Arias Garrido
Andrea Vincent
Andrea Vincent travaille dans le domaine des festivals depuis une décennie, des soins aux artistes à la direction artistique et aux opérations. Actuellement en pause des festivals, Andrea explore de nouvelles voies dans la musique. En tant que cofondatrice de Lawnya Vawnya, un incubateur de musique émergente reconnu à l’échelle nationale, et plus tard à la tête du Dawson City Music Festival (2016-2022) et du Sappyfest (2022-2024), Andrea a eu l’immense privilège de travailler avec plus de 450 artistes novateurs du monde entier.
Animée par une passion pour la musique underground canadienne et les rassemblements joyeux et réfléchis, et ayant été élevée dans l’organisation communautaire de base et DIY, Andrea s’investit dans la réimagination des normes de l’industrie et l’amélioration des conditions de travail des musiciens et des travailleurs culturels.
Andrée-Anne Roussel
Andrée-Anne Roussel est une artiste médiatique et cinéaste basée à Montréal. Parallèlement à sa pratique créative, elle travaille depuis plus de 10 ans dans l’industrie du cinéma en tant que superviseure de la postproduction. Au cours de la dernière année, elle a entrepris une nouvelle voie dans la gestion musicale. Elle gère actuellement le batteur et compositeur Ronny Desinor et s’est activement renseignée sur le secteur de la musique par le biais d’études autonomes et de formations en ligne, y compris des cours de la SOCAN. Elle développe maintenant Lovely Lovely Sounds, une société d’étiquette et de gestion axée sur le jazz moderne (ou le jazz alternatif, ou le néo-jazz) et la musique improvisée créative.
Bhavneet Toor Kang
Forte de plus d’une décennie d’expérience en tant que professionnelle du marketing et productrice culturelle, Bhavneet Toor Kang se consacre à amplifier les voix et les histoires sud-asiatiques dans les paysages de la musique, des arts et des médias à travers le Canada. Reconnue comme l’une des rares femmes leaders culturelles dans la communauté canadienne des arts et de la musique sud-asiatiques, elle crée des espaces significatifs pour la représentation, la collaboration et l’innovation.
Son travail fait le pont entre la stratégie créative et le leadership éclairé, permettant aux artistes et aux organisations de se connecter avec divers publics et de bâtir des carrières durables. En tant que cofondatrice d’une marque de bijoux en pierres précieuses et maître Reiki certifiée, elle apporte une perspective unique à l’intersection du commerce, de la culture et de la spiritualité, favorisant des projets à la fois percutants et authentiques.
En tant que fervente défenseure de l’inclusion et de l’expression créative, elle s’engage à façonner un avenir plus équitable et dynamique pour les arts au Canada.
Brigitte Jardin
Brigitte Jardin tisse une tapisserie unique où la poésie de la chanson française rencontre le twang sincère de la country américaine. Originaire de Whitehorse, au Yukon, elle mélange ces deux riches traditions en un son qui lui est propre : tendre mais audacieux, lyrique mais ancré. En tant que l’une des rares femmes qui chantent en jouant de la batterie, Brigitte captive le public par sa force tranquille et son art authentique.
Camille Neirynck-Guerrero
Camille Neirynck-Guerrero est une artiste visuelle et gestionnaire administrative belgo-colombienne qui travaille en étroite collaboration avec l’industrie de la musique depuis une décennie. Elle est née et a grandi en Belgique et a déménagé à Toronto à la fin de 2020. Dès son arrivée, elle s’est d’abord connectée organiquement avec la scène musicale en direct via sa photographie, puis s’est établie davantage grâce à ses excellentes compétences organisationnelles et administratives jumelées à sa passion pour la musique en direct.
Elle a été bénévole pendant deux ans pour la plateforme JazzInToronto, travaillant en étroite collaboration avec les deux autres directeurs. Ils ont organisé un festival d’été de fin de semaine en 2022 (College Street Jazz Festival) mettant en vedette 95 % d’artistes féminines et non binaires. La même année, elle a créé le Drom Artist Collective, dont la mission est de soutenir les talents émergents, d’amplifier les idées qui remettent en question le statu quo et d’affirmer nos valeurs de communauté, d’intégrité et d’inclusion. Elle a pris la direction de la production et des médias en contribuant ses compétences en photographie et en cinéma, et elle a organisé une collecte de fonds pour leur magazine communautaire annuel.
Depuis avril 2024, elle a pris les rênes de l’administration des réservations au DROM Taberna (qui accueille plus de 100 groupes par mois), a assisté à de nombreuses conférences musicales au nom de l’établissement (WOMEX, FAI, FMO) et maintient une pratique constante en tant que photographe et vidéaste pigiste axée sur la scène musicale en direct de Toronto.
Carolina G’ala
Carolina est la propriétaire et directrice de Chia Production, une plateforme de gestion de production d’art, de musique et d’événements pour les artistes latinex et autochtones. L’agence est basée à Toronto, au Canada, et collabore avec divers festivals et conférences artistiques au Canada, aux États-Unis et en Colombie. Parallèlement, Carolina travaille dans le secteur social canadien en dirigeant des projets en matière d’équité en santé environnementale, de justice sociale et raciale.
Claudel Arseneault-Mercier
Claudel Arseneault-Mercier est une stratège en marketing numérique basée à Montréal, spécialisée dans l’industrie de la musique. Avec plus de 10 ans d’expérience, elle soutient les artistes émergents et établis grâce à sa pratique indépendante, où elle élabore des campagnes publicitaires et des stratégies de contenu sur mesure qui amplifient la voix des artistes et les mettent en relation avec leur public. Son parcours comprend un travail en agence ainsi que des rôles auprès de festivals renommés comme M pour Montréal, ce qui lui donne une perspective bien équilibrée sur l’industrie. Son travail combine la créativité, la stratégie et une compréhension approfondie des réalités auxquelles les musiciens sont confrontés aujourd’hui. En tant que femme entrepreneure, elle est motivée à contribuer à façonner un avenir plus inclusif et novateur pour le paysage musical canadien.
Danielle McTaggart/Larkk
Danielle McTaggart est une artiste en transformation. Mieux connue comme la voix puissante derrière le duo canadien Dear Rouge, lauréat d’un prix Juno, elle a passé des années à captiver le public avec des performances électrisantes et des succès alternatifs en tête des palmarès. Maintenant, avec son nouveau projet Larkk, McTaggart entre dans un espace intime et introspectif, qui troque le pouls énergique du rock indépendant contre la vulnérabilité brute et poétique de l’écriture de chansons atmosphériques teintée de folk indépendant.
Larkk est né du désir de Danielle McTaggart d’explorer plus profondément l’art. S’inspirant des expériences les plus brutes et vulnérables de la vie, McTaggart canalise l’émotion dans un son richement texturé et expressif. Après des années de tournées avec des groupes acclamés comme Metric, Phantogram et The Beaches, elle a ressenti le besoin de se connecter à un niveau plus personnel, avec elle-même et avec les auditeurs. Ce qui a commencé comme un voyage intérieur de guérison est devenu Larkk : un projet où la musique l’a trouvée autant qu’elle l’a trouvée. Maintenant, à travers Larkk, Danielle offre une expression audacieuse et honnête de l’émotion, invitant les autres dans ce même espace de réflexion et de connexion.
L’histoire de Larkk s’est déroulée d’une manière magnifiquement organique. Pendant des années, Danielle McTaggart a tranquillement écrit de la musique sur un petit piano droit dans sa cabane isolée dans l’Ouest canadien, sculptant les os de chaque chanson et façonnant soigneusement l’intention émotionnelle derrière elles. C’était un processus intime et solitaire enraciné dans la réflexion et l’honnêteté. Finalement, elle a contacté le poète Derrick C. Brown, dont la profondeur lyrique et la vulnérabilité brute lui semblaient être le complément parfait à sa vision. Leur collaboration est devenue la pièce finale pour donner vie aux chansons, complétant l’arc émotionnel qu’elle façonnait depuis si longtemps.
Brown, connu pour sa poésie puissante et surréaliste, a été salué par NPR et le New York Times et a fait des tournées avec des artistes comme David Cross, Cold War Kids, The Afghan Whigs et Eugene Mirman.
Le processus d’enregistrement de son premier album de neuf chansons, Cinders, a été profondément personnel, se déroulant lors de séances intimes où McTaggart a donné vie à sa vision aux côtés d’une équipe de collaborateurs, dont le producteur Thomas D’Arcy (Whitehorse, Neko Case, The Sheepdogs). Les performances obsédantes de McTaggart au piano, mélangées à sa voix éthérée, créent un paysage sonore luxuriant mais délicat où chaque chanson ressemble à une confession chuchotée, mélangeant la narration à la Phoebe Bridgers avec la profondeur cinématographique de Big Thief et Weyes Blood.
Eryn Young/NYRE
NYRE est une artiste pop sombre de Toronto qui crée de la musique à l’intersection de l’émotion et du spectacle. Son son mélange la pop cinématographique, l’atmosphère alternative et la dance DnB pour construire des mondes immersifs qui frappent fort et restent avec vous. Chaque sortie est un chapitre de son histoire qu’elle a trouvé la volonté de partager, sur le plan sonore, visuel et émotionnel.
Son premier EP, Avoidant, est sorti en janvier 2025 et a marqué un tournant. Il a obtenu des placements éditoriaux consécutifs sur Spotify dans Fresh Finds Canada, a contribué à développer une base de fans mondiale et a mené à une première sur Vevo et à une diffusion radio organisée pour le premier single « Joke’s On Me », ainsi que pour « It Should Be You. »
Elle construit actuellement la prochaine ère à travers un EP de pop futuriste maximal qui fusionne la dance et l’alt-pop avec un lyrisme aiguisé et des visuels cybernétiques futuristes audacieux. Ce projet vise à reprendre le pouvoir et à remodeler son récit après une trahison qui a changé le monde. C’est plus fort, plus néon et plus expérimental que tout ce qu’elle a fait auparavant. Elle ne court pas après les tendances, elle construit quelque chose de durable.
Eunice Keitan
Eunice Keitan est une artiste malaisienne-chinoise-canadienne connue pour sa fusion novatrice de Neo-Soul avec une instrumentation traditionnelle de l’Asie du Sud-Est. Opérant à la fois comme une chef d’orchestre dynamique et une artiste de pédale de boucle captivante, elle recontextualise magistralement les paysages sonores anciens, offrant une perspective vraiment nouvelle sur la néo-soul contemporaine. Son son unique est profondément influencé par son éducation diversifiée à travers le Canada, la Malaisie et Singapour, tissant des mélodies soul avec une touche mondiale distinctive. Le public a décrit sa musique comme « un mélange magnifique et peu orthodoxe de batteries groovy, de cordes orientales et de voix de miel ». Au-delà de son son captivant, la musique d’Eunice sert souvent de plateforme puissante pour des commentaires sociaux perspicaces, naviguant dans des enjeux sociétaux complexes avec une combinaison convaincante de compréhension douce et une perspective inébranlable et puissante.
Son travail a reçu un soutien important du Conseil des arts de Toronto et du Conseil des arts de l’Ontario, ainsi qu’une reconnaissance de médias tels que CBC Music, BBC Radio, The Toronto Guardian et Stereofox. Des projets antérieurs lui ont valu des nominations pour un Toronto Independent Music Award et un VIMA (Vox International Music Award).
Très recherchée sur la scène musicale canadienne, Keitan est une interprète dynamique connue pour sa polyvalence. Son engagement envers la croissance artistique et la collaboration transparaît dans sa participation active à diverses communautés musicales et culturelles, telles que l’incubateur Small World Music et ses ateliers « Looping for Women and Femmes » (coprésentés par Long & McQuade Musical Instruments). Avec un horaire de tournée chargé, Eunice captive constamment le public partout au Canada, en Europe et en Asie.
Gwen Simon
Gwen Simon est une professionnelle multidisciplinaire de l’industrie de la musique qui possède de l’expérience en tant que gestionnaire d’artistes, A&R, journaliste indépendante, rédactrice en chef et administratrice des licences et des redevances. Elle est passionnée par la découverte de talents, la narration d’histoires et l’aide à façonner la carrière d’artistes émergents. Elle gère également son propre blogue musical, où elle partage des critiques, des idées sur l’industrie et des commentaires culturels.
Au-delà de la musique, elle participe à l’industrie du jeu vidéo en tant que collaboratrice médiatique, testeuse de jeux et créatrice de contenu. Qu’elle couvre de nouvelles sorties, collabore avec des studios ou bâtisse une communauté grâce au contenu, elle aime travailler à l’intersection de la musique, des médias et des expériences interactives.
Josefina D'souza/Fenifina
Fenifina est une rappeuse et compositrice basée à Toronto et à Mumbai dont la musique se déplace entre les mondes, des rues de Bombay au froid des hivers canadiens, des cadences hindi et marathi au flux anglais fluide. L’une des premières rappeuses hindi au Canada, elle se taille sa propre place avec des chansons qui équilibrent l’introspection et la rébellion. Qu’elle déballe l’identité, la guérison ou l’agitation, le son de Fenifina porte le pouls de quelqu’un qui évolue constamment, brut, honnête et enraciné dans son origine, tout en cherchant toujours à aller au-delà.
Elle a été présentée dans Rolling Stone India, Vogue India et The Times of India pour ses récits audacieux et son art fluide en matière de genre.
Kaeley Jade Wiebe
Sous le regard panoramique du ciel de la prairie d’Edmonton, l’artiste métisse Kaeley Jade s’est taillé un espace où l’art et l’âme convergent. Son premier album complet vibrant, Turpentine, lui a valu une reconnaissance importante en tant qu’auteure-compositrice-interprète sur la scène musicale canadienne avec des distinctions qui comprennent un Prix de musique folk canadienne, une nomination aux Western Canadian Music Awards et un Prix de musique autochtone du solstice d’été. Sa musique a été diffusée à la radio à travers le monde (y compris CBC, Sirius XM et un numéro 1 sur les palmarès du Indigenous Music Countdown), a été examinée par des publications du monde entier et a été présentée dans plusieurs productions cinématographiques et télévisuelles, notamment Warrior Up! et Hockey Night in Canada.
Mélangeant folk, pop et indie rock, l’imagerie luxuriante de Kaeley, sa voix époustouflante et sa présence électrique sur scène ont captivé les auditeurs dans des centaines de salles et de festivals à travers le Canada, y compris l’Edmonton Folk Music Festival, le JUNOfest, le Sommet international de la musique autochtone et le Canmore Folk Music Festival. Kaeley porte fièrement son cœur sur sa manche, qu’elle interprète un ensemble acoustique intime ou qu’elle se déchaîne aux côtés de son groupe complet (Gabriel Gagnon à la guitare/voix, Katie Demuynck au piano/voix, Kelsey Wood à la basse électrique/voix et Jordan Poirier à la batterie/voix).
Parallèlement à sa carrière d’auteure-compositrice-interprète, les activités artistiques de Kaeley s’étendent également aux écosystèmes du théâtre, du cinéma et des arts visuels ; son parcours artistique aux multiples facettes a été considérablement façonné par une soif de développer continuellement ses connaissances et ses compétences, ce qui se reflète dans sa formation officielle par le biais d’un baccalauréat en beaux-arts en interprétation de l’Université de l’Alberta, et par sa participation à une gamme de programmes et de résidences, y compris le National Music Centre OHSOTO’KINO Music Incubator, le prix Henry Armstrong de MDM Recordings et le programme d’artistes émergents Horizon RBC du Citadel Theatre. Se décrivant comme une artiste multidisciplinaire, la curiosité et la créativité innées de Kaeley lui offrent de nombreuses occasions de tisser ses disciplines ensemble. Plus particulièrement, son travail sur Two-Headed/Half-Hearted, une comédie musicale country-folk de 18 chansons qui a été présentée en première au Northern Light Theatre en 2022, a mis en valeur ses talents de compositrice, de conceptrice sonore et d’actrice tout en explorant les thèmes de la sororité, de la famille et de l’identité.
Alors qu’elle se prépare à lancer un nouveau chapitre de sa musique, Kaeley invite ses auditeurs à accepter le changement, à trouver de la force dans la vulnérabilité et à aimer avec passion.
Kereese ‘KP’ Plummer
Kereese ‘KP’ Plummer est une force créative dotée d’un sens aigu de l’image de marque des artistes, de la conservation de la musique et des collaborations qui transforment la culture. Enracinée à la fois dans l’industrie de la musique et dans le secteur communautaire, elle est une personne autonome qui s’épanouit grâce à l’innovation, à la narration et à la concrétisation des choses.
Son travail parle de lui-même : KP a conclu des partenariats de marque avec 1800 Tequila, Kraken Rum et Roots, entre autres. Elle a produit un concert d’un artiste solo à l’emblématique Drake Underground qui s’est vendu en seulement 11 jours et a vu des fans faire la queue à l’extérieur de la salle, ce qui témoigne du marketing et de la promotion qu’elle a menés. Elle a joué un rôle clé dans l’obtention d’une couverture de l’artiste indépendant EverythingOShauN dans Complex Canada, Noisey/Vice, Exclaim et NOW Toronto, ainsi que des performances sur des plateformes exceptionnelles comme From the Block et On the Radar, le tout sans le soutien d’une grande maison de disques.
Au-delà des titres et des crédits, KP porte de nombreux chapeaux : directrice de la création, productrice, styliste, scénographe, chef de projet et solutionneuse de problèmes. Qu’il s’agisse de diriger la vision des vidéoclips, de constituer des équipes de production, de trouver l’endroit idéal ou de planifier des déploiements, elle repousse toujours les limites. Récemment, KP s’est jointe au comité consultatif musical R&B/Soul des prix CARAS/JUNO, ce qui témoigne de son engagement à amplifier diverses voix et à créer des moments qui laissent une impression durable.
Bilingue en anglais et en français, KP apporte une perspective holistique unique au leadership créatif, ancrée dans sa formation et son expérience en santé et en soins communautaires. Elle est titulaire d’un baccalauréat ès sciences en sciences infirmières et est infirmière autorisée, avec de solides connaissances des déterminants sociaux de la santé, de la santé mentale tout au long du cycle de vie et des programmes de santé communautaire. Son travail auprès des populations racialisées et mal desservies éclaire son approche de la narration, de l’image de marque axée sur l’empathie et de la direction créative culturellement compétente. Avec près d’une décennie d’expérience en tant que professionnelle de la santé et productrice créative, elle excelle dans la direction d’équipes interfonctionnelles, la gestion des flux de travail de projets de bout en bout et la création de solutions de conception stratégiques et convaincantes qui trouvent un écho auprès de divers publics.
KP croit également fermement à l’apprentissage continu à chaque étape d’une carrière. Elle a suivi plusieurs programmes éducatifs qui ont permis d’aiguiser davantage ses compétences et d’élargir sa perspective dans les industries de la musique et de la création. Il s’agit notamment du programme de mentorat GIRL CONNECTED, du programme d’entrepreneuriat musical RBC Launchpad, de l’exportation LA + NY pour les gestionnaires de musique noire Breaking Down Racial Barriers et, plus récemment, de la série d’ateliers Vapor Music Group MNDSHFT, un programme immersif explorant l’art de la conception sonore, de la supervision musicale, de la composition pour le cinéma et la télévision, et plus encore. Ces expériences continuent d’enrichir son approche dynamique et complète du leadership, de la collaboration et de l’impact culturel.
Mae Laurel McKillop
Mae McKillop (iel/elle) est une artiste, productrice, technicienne du son et ingénieure d’enregistrement de Winnipeg, au Manitoba. Après avoir grandi entourée de musique, elle a commencé sa carrière en enregistrant de la musique en construisant et en exploitant le Twin Ribbons Recording Studio sur l’île Salt Spring, en Colombie-Britannique. De retour au Manitoba, Mae s’est intégrée à la scène musicale de Winnipeg en tant qu’ingénieure chez Paintbox Recording, technicienne productrice associée à CBC Radio et technicienne du son en direct dans les salles locales. Guidée par la curiosité et l’imagination, Mae McKillop s’inspire de la créativité de chaque personne pour découvrir une méthode unique de capturer son son.
Makia Mina Niang
Makia Mina Niang est une journaliste musicale bilingue, née et élevée à Paris, en France, et maintenant basée à Toronto. Elle est passionnée par toutes les formes d’art liées à la musique, y compris les voix, l’écriture, la production et au-delà. Son objectif quotidien est d’être une conteuse culturelle dévouée à amplifier les voix sous-représentées sur la scène musicale mondiale. Forte d’une expérience qui relie la France et le Canada, elle explore les intersections du son, de l’identité et de la diaspora à travers des entrevues, des articles écrits et du contenu numérique.
Sa carrière a commencé avec des médias qui lui ont fait confiance dès le début, notamment Abcdrduson, Red Bull France, Shimmya et Boycott Magazine. Ces occasions lui ont permis d’interviewer des artistes, de participer à des balados musicaux et d’écrire des articles culturels, ce qui l’a aidée à développer sa voix et son point de vue en tant que journaliste.
Au fil du temps, elle a interviewé d’importants artistes français ainsi que des talents canadiens tels que Jon Vinyl, Dylan Sinclair et High Klassified, aux côtés d’artistes américains tels que Ravyn Lenae, Omar Apollo et Laila !. En février 2025, elle a fondé Stepperz, une plateforme médiatique mettant en lumière les mouvements émergents dans le rap, le R&B et l’afrobeat, avec pour mission de connecter les publics au-delà de la lentille américaine. Son travail consiste à donner aux artistes l’espace nécessaire pour partager leur vérité tout en aidant le public à découvrir de nouvelles musiques qui comptent.
Stepperz existe actuellement grâce à une série de vidéos bimensuelles sur YouTube explorant des sujets liés à la musique, ainsi qu’à du contenu quotidien sur Instagram et TikTok, y compris des nouvelles musicales, des vidéos qui donnent à réfléchir et des débats culturels. Un site Web bilingue est actuellement en construction et sera lancé en septembre 2025, réunissant tout le travail de Stepperz en un seul endroit et faisant passer la plateforme au niveau supérieur.
Morgan Sutherland
En tant que consultante en commandites et en partenariats de marque avec plus d’une décennie d’expérience dans le secteur de la musique en direct et des événements, Morgan Sutherland se spécialise dans l’établissement de partenariats créatifs axés sur les valeurs qui soutiennent et amplifient les projets culturels. Son travail consiste à aligner stratégiquement les marques sur les festivals de musique, les événements publics et les initiatives communautaires, en créant des relations mutuellement bénéfiques qui vont bien au-delà du placement de logo.
La carrière de Morgan a été façonnée par des rôles de leadership au sein d’organisations telles que Rifflandia Entertainment Co. et Friends of Victoria Basketball, où elle a dirigé le développement et l’exécution de partenariats pluriannuels avec des marques nationales et locales. De la présentation à la livraison sur place, elle gère le cycle de vie complet des commandites en élaborant des stratégies de marketing intégrées, en collaborant avec les équipes des opérations et de la production et en assurant des expériences client exceptionnelles qui se traduisent par des investissements et des retombées à long terme.
Ce qui la distingue, c’est une approche profondément entrepreneuriale. Elle traite chaque projet comme une entreprise de partenariat, en mettant l’accent sur l’innovation, l’intégrité et la pertinence culturelle. Elle s’engage à créer un espace de collaboration qui reflète les valeurs des communautés desservies, en particulier dans les domaines de la musique et du divertissement.
Grâce à ce programme, elle est ravie d’aiguiser son sens des affaires, d’élargir son réseau et d’approfondir sa capacité à développer une société de conseil durable dirigée par des femmes qui continue de défendre les artistes, les événements et les expériences culturelles significatives.
Nadia
Nadia fait du R&B qui ressemble à un rêve et qui est plein de sentiments. Sa voix transperce tout avec puissance et chaleur, créant un son qui semble moderne mais intemporel. Pensez un peu à Snoh Aalgra, Sza et un peu à Ariana Grande, mais toujours quelque chose de totalement personnel. Son dernier single, « Intertwine », est fait pour les nuits tardives après la fermeture du club, après les échanges de regards, quand tout ralentit et s’approfondit. Originaire de Charlottetown, à l’Île-du-Prince-Édouard, Nadia a rapidement fait des vagues dans sa ville natale. En 2023, sa chanson « Off the High » a été mise en nomination pour l’enregistrement R&B de l’année aux Music PEI Awards. Elle a enchaîné en 2024 avec deux nominations pour « Intertwine » Enregistrement R&B et vidéoclip de l’année et a remporté le prix du vidéoclip de l’année, grâce à une belle collaboration avec le réalisateur Griffin O’Toole.
Nadia ne fait que commencer, mais sa musique touche déjà bien au-delà de l’île.
Robyn Froese
Robyn Froese est une artiste soul-folk et animatrice d’arts communautaires basée à Vancouver. Si la voix d’Amy Winehouse et l’écriture de chansons de Joni Mitchell donnaient naissance à un enfant de l’amour, ce serait Robyn Froese. Elle crée une musique brute et vulnérable qui explore les thèmes de la santé mentale, de la guérison et de l’amour. Elle a sorti plusieurs EP et singles, avec des apparitions sur BBC Radio et des nominations pour l’artiste folk de l’année de Fraser Valley en 2023 et 2024. Parallèlement à sa carrière d’interprète, Robyn anime des ateliers d’écriture de chansons pour les jeunes marginalisés et les femmes en rétablissement, combinant sa formation en soins tenant compte des traumatismes avec sa passion pour la musique. Elle croit au pouvoir de l’expression créative pour connecter, guérir et transformer les communautés.
Rosina Kazi
L’une des personnes influentes discrètes de la scène artistique underground de Toronto, Rosina Kazi est la chanteuse principale du duo électronique de protestation LAL et fait partie du projet mondial de musique de danse, ROSINA. Rose a joué un rôle déterminant dans la croissance de nombreux artistes et DJ QT/BIPOC de la ville, en leur fournissant des lieux et des forums pour leur expression musicale. Plus important encore, elle/ils ont réussi à ajouter un air de conscience et de sensibilisation politique à bon nombre de ces événements, et cette sensibilisation est le facteur le plus distinctif de son/leur travail. Elle/ils aident également à gérer l’Unit 2, un espace artistique communautaire/professionnel pour les artistes QTBIPOC et leurs amis à Toronto depuis plus de 10 ans. En 2009, Nic et Rose ont décidé d’emménager dans un entrepôt et d’ouvrir l’Unit 2. Après ne pas s’être vus représentés dans la communauté artistique de Toronto dans des postes de pouvoir, ils ont décidé, avec plusieurs amis (Toyin Coker, Ange Loft, Daniel Mach), de créer leur propre espace artistique Do It Together, dédié à la communauté QT2S/BIPOC et à leurs amis. Rose se concentre sur son art à temps plein. Rose compose de la musique professionnellement depuis plus de 25 ans. Elle a enregistré 8 albums et a fait des apparitions en tant qu’invitée sur plus de 10 enregistrements.
Selena Pondthip Luangduangsuthidet
Selena Pondthip Luangduangsuthidet est une journaliste multimédia, directrice de la création-productrice, programmatrice musicale et ambassadrice du patrimoine culturel basée à Toronto. Réfugiée laotienne et défenseure de la communauté, son travail consiste à connecter les Canadiens laotiens et à préserver le patrimoine laotien et sud-asiatique par le biais de l’art, de la musique, des médias et de l’éducation.
Elle est étroitement associée à LaoCan, un organisme national communautaire voué à amplifier les voix de la diaspora et à soutenir la préservation de la culture laotienne et sud-asiatique. Grâce à son travail avec LaoCan, Selena contribue à du contenu éducatif axé sur la langue traditionnelle et les connaissances culturelles, tout en aidant à créer des occasions médiatiques et artistiques pour les membres de la diaspora laotienne.
L’expérience professionnelle de Selena couvre la radio, la télévision, la musique et les médias numériques. Elle a travaillé avec des organisations telles que Lao Radio 1430 AM, SiriusXM Canada, Instagram (Meta), CityTV, The Queer Network, Nettwerk Music Group et des collectifs de musique et de médias indépendants. Ses rôles ont inclus la programmation musicale, la consultation en affaires et en marketing, la production de diffusion, la stratégie de conception numérique et la production de vidéoclips.
Dans l’ensemble de son travail, Selena apporte une approche de la narration axée sur la communauté et ancrée dans la culture. Elle s’engage à amplifier les voix sous-représentées, à soutenir les créateurs émergents et à veiller à ce que le patrimoine culturel et les médias contemporains progressent ensemble.
Shanti Abbott/Puma June
Puma June est une multi-instrumentiste, chanteuse, compositrice et productrice basée à Toronto, dont le son flou entre les genres s’inspire de son éventail éclectique d’influences. Fusionnant des éléments de pop, de jazz, de hip-hop et de R&B, sa musique est façonnée par une lentille féministe qui définit à la fois son identité artistique et son récit. Puma June n’est « pas seulement [une] musicienne, mais [une] artiste multidisciplinaire », avec un accent important sur les associations visuelles surréalistes et avant-gardistes avec sa musique. Elle a été reconnue par des publications telles que Earmilk, Canadian Beats, Exclaim !, CBC et bien d’autres au cours de la dernière année pour ses visuels excitants et son son distinctif et rafraîchissant. Après avoir terminé le programme de production musicale indépendante à Seneca en 2023, June est entrée en 2024 avec une forte dynamique, recevant la bourse RBCXMusic X Prism Prize MVP Project Grant et étant sélectionnée pour le programme RBCXMusic « First Up » et le programme EquityXProduction de la SOCAN. En mars 2025, Puma June a lancé son premier EP, « A Woman That They Want », s’imposant comme l’une des nouvelles voix les plus excitantes du R&B alternatif canadien.
Siena Dolinski/SIESKI
Prise entre la vérité du corps et l’émerveillement de l’esprit, la musique de SIESKI reflète son monde intérieur : profondément évocatrice et sensorielle, curieuse et intuitive, et vivante d’un charme imaginatif.
Artiste de théâtre queer devenue sirène alt-pop, elle tisse des récits, des mouvements et des mélodies dans des mondes immersifs qui semblent à la fois intimes et d’un autre monde. Ses voix et mélodies séduisantes coulent et gonflent, absorbant l’auditeur dans ce que Earmilk décrit comme « une odyssée auditive qui rehausse vos sens et vous laisse avec une envie insatiable d’en savoir plus ».
Comme une « Beth Orton des temps modernes, mais aussi des projets plus contemporains comme Magdalena Bay », (Music Connection Magazine) SIESKI est une énigme qui redéfinit ce que la pop alternative peut ressentir.
Les faits saillants comprennent son hymne queer-féminin « Lady Deity » (présenté dans le Vizzybility Project organisé par la gagnante de Canada’s Drag Race, Priyanka), la vidéo « Scale Model » financée par FACTOR et des placements avec CBC Music, etalk de CTV et Shatter the Glass de Women in Music.
Sophia Sanford
Le parcours de Sophia Sanford dans la musique est une pratique permanente de traduction émotionnelle par la réorganisation des mots et des sons, où la musique a toujours été un espace pour articuler des vérités spécifiques et transformer la douleur en pouvoir. L’obsession de Sanford pour la voix et tout ce qui touche au son apporte une profondeur d’émotion à sa production musicale, résonnant d’une beauté étrange. Élevée à Sayayen (île Texada), la quête de la musique de Sophia a commencé dans l’enfance, en jouant de la basse, du piano, du trombone et en voyageant dans le monde entier avec des chorales et des chorales de jazz. Sa croissance technique et créative l’a emmenée à Montréal pour des études de jazz, puis à Londres, au Royaume-Uni, pour la pop et la production, avant de retourner à qathet, en Colombie-Britannique. La passion de Sophia réside dans la traduction d’expériences en activités agréables axées sur le son, l’expression de soi et la connexion.
En 2024, Sophia a lancé Noise Machine, un studio, un espace de résidence et une étiquette soutenus par le distributeur indépendant Aloaded. Nichée dans la région côtière de qathet, Noise Machine soutient les artistes et les professionnels des arts, offrant un accès créatif à la nature, une production/tournée lente et des pratiques de repos adaptées aux artistes. Sophia continue d’approfondir ses compétences techniques grâce au mentorat, se délectant des occasions qui lui permettent de comprendre le son, la nature et la culture musicale à des niveaux plus profonds. En 2025, Noise Machine a été lancée en tant qu’étiquette et a vu ses deux premières sorties dans les albums KODAE (KODAE, TAYLR) et Violet Gave Willingly (Sanford). La signature de TAYLR (Montréal) et d’Isaodre (Toronto) au cours des prochaines années s’annonce passionnante. 2026 verra le lancement de leur programme d’adhésion où les artistes pourront accéder à une aide échelonnée et personnalisée par le biais de Noise Machine et de notre liste croissante de partenaires commerciaux et de collaborateurs créatifs. En tant qu’artiste elle-même, Sophia innove constamment dans l’espoir de faire progresser l’expérience de l’artiste en fournissant un soutien personnalisé, empathique et précis, croyant que le système que nous avons actuellement ne fonctionne pas pour la plupart des créatifs.
Sophia offre un soutien technique et créatif à un large éventail de projets sonores et vidéo, gère un label, sort sa propre musique et sollicite sans relâche des financements. L’engagement de Sophia envers l’éducation musicale se traduit par son enseignement de la production musicale dans sa communauté, l’accueil d’artistes à Noise Machine et la fourniture de programmes de mentorat aux talents émergents. Pour la deuxième année consécutive, Noise Machine accueillera un mentorat d’un mois financé par une subvention pour les artistes femmes qui souhaitent perfectionner leurs compétences en production. Sous la direction de Sanford, Sophia a sorti 2 projets personnels, x singles et x vidéoclips issus de ces projets. VGW, la partition étendue du documentaire de sa sœur, nommé aux prix CSA, du même nom, explore les thèmes du deuil et de la perte en tant que femme dans un domaine technique. Il a figuré sur le radar des sorties d’Exlaime.ca pendant 3 semaines et sur la liste des sorties à surveiller de Billboard. Un album de remixes pour Violet Gave Willingly sortira en 2026, tandis qu’elle continue de travailler sur un album alt-pop complet. Son travail témoigne de son dévouement à la musique, à la communauté et à la recherche d’une compréhension plus profonde par le biais du son. Son parcours est fait de croissance continue, de créativité et d’une volonté implacable de transformer des histoires en musique puissante et émouvante, partageant ainsi ses propres histoires et celles d’autres artistes aux vues similaires.
Sophie Noel
Sophie Noel est une artiste, écrivaine et professionnelle de l’industrie musicale basée à Dartmouth, en Nouvelle-Écosse. Depuis 2018, elle a occupé divers postes dans l’écosystème musical canadien, au sein d’équipes telles que Birthday Cake Records et Forward Music Group. Sophie a récemment lancé Open Chord Creative, par le biais duquel elle offre un soutien en marketing et en état d’esprit aux artistes qui souhaitent bâtir des carrières durables en dehors des médias sociaux. Lorsqu’elle n’est pas en tournée, vous pourriez trouver Sophie en train de coller des affiches dans Halifax, d’organiser des séances de travail communautaires dans son café local ou de travailler à domicile avec ses deux chats tuxedo. Sophie siège également au comité exécutif de NOWADAYS, un festival émergent des arts et de la culture à Dartmouth.
Stefani Truant
Stefani Truant est la fondatrice de Truant Artist Management (TAM), une agence boutique créée pour répondre à un besoin important dans l’industrie de la musique classique en fournissant aux compositeurs le soutien personnalisé dont ils ont besoin pour s’épanouir. Avec plus de 20 ans d’expérience, elle a travaillé en étroite collaboration avec des institutions de premier plan telles que l’Orchestre du Centre national des Arts (OCNA) et l’Orchestre symphonique de Toronto (OST), en se concentrant sur les nouvelles initiatives et collaborations musicales tout en mettant les compositeurs en relation avec les plateformes et les opportunités qu’ils méritent.
Fervente défenseure de la musique classique contemporaine, elle a dirigé des projets de commande novateurs, notamment Life Reflected et Encount3rs, ainsi que d’autres commandes nationales et internationales qui stimulent l’innovation dans la musique orchestrale et de chambre. Elle a créé la résidence de compositeurs Carrefour, un partenariat entre l’OCNA et le Conseil des Arts du Canada, où elle a encadré des compositeurs émergents en guidant leur carrière professionnelle et en les aidant à développer des œuvres qui contribuent au canon canadien. En tant que conservatrice de The Wolfgang Sessions, une nouvelle série de musique de chambre, elle a présenté la musique du XXIe siècle, ancrée dans sa conviction que la musique d’aujourd’hui parle dans notre langue vernaculaire, brute, personnelle et profondément pertinente.
Elle est titulaire de deux diplômes en musique, un baccalauréat en musique en interprétation de flûte de l’Université de Windsor et un baccalauréat ès arts en musique en administration des arts de l’Université Acadia. Elle a siégé à divers jurys, notamment pour les prix JUNO, et demeure activement engagée dans la communauté culturelle nationale et locale. Stefani siège actuellement au conseil d’administration du Canadian Art Song Project et, en tant que fière Italo-Canadienne de deuxième génération, elle siège également aux conseils d’administration de Fogolâr Furlan di Ottawa et de la Semaine italienne d’Ottawa.
Suzanne Summers
Suzanne Summers est une DJ, conservatrice musicale, directrice marketing et bâtisseuse de communauté basée à Edmonton. Avec plus d’une décennie d’expérience, elle s’est produite lors de festivals, de mariages, dans des clubs et lors d’événements spéciaux, en faisant tourner des remixes disco, house, pop, hip-hop et axés sur les basses.
Elle est la cofondatrice de Vibe Collective, une agence de DJ dirigée par des femmes qui met en relation des clients avec des talents diversifiés tout en soutenant les femmes, les personnes de couleur et les artistes non binaires par le biais de mentorat et de développement professionnel dans les espaces créatifs et corporatifs.
Au-delà de la musique, Suzanne apporte plus de 15 ans d’expérience en tant que directrice marketing, avec une expérience en développement de marque, en stratégie événementielle et en engagement communautaire. Elle utilise ces compétences pour bâtir des espaces musicaux inclusifs et dynamiques.
Plus récemment, elle a co-créé The Movement : Somatic Rave avec Angie Clark (YEGYOGI), une fusion de pratiques somatiques, de travail respiratoire, de mouvements guidés et de DJ sets en direct conçus pour aider les gens à se reconnecter à leur corps par le biais de la musique et de la cérémonie.
Qu’elle soit derrière les platines, qu’elle crée des expériences immersives ou qu’elle encadre des artistes, Suzanne s’engage à créer du lien, de la joie et de la liberté, tant sur la piste de danse qu’en dehors.
Tess Ray Houston
Tess Ray Houston est une professionnelle créative et de l’industrie métisse de la rivière Rouge basée dans le Traité 1 (Winnipeg, MB), avec plus de 10 ans d’expérience de travail dans les domaines de la musique, du cinéma et de l’art.
Après avoir soutenu des musiciens par le biais de travail à but non lucratif et contractuel, ils ont rejoint le programme Cultural Cadence du Bureau de la musique autochtone, où ils ont été encadrés par Amie Therrien (Music Managers Forum) et Kim Temple (High Priestess Publishing), ce qui a mené au lancement de Midnight Bannock, une entreprise offrant un soutien et un développement aux artistes, tant sur le plan créatif que professionnel.
Dans le domaine du cinéma, Tess a tenu un rôle principal dans la série Crave/APTN Don’t Even, nommée quatre fois aux prix CSA, est affiliée à ACTRA et est représentée par Darryl Mork Talent. Elle est diplômée valedictorienne du CMU College of Makeup Art & Design (effets spéciaux) à Toronto, avec des crédits incluant Indigenous Day Live d’APTN, The Shine Network et Ricki’s/Cleo’s. Tess a également été mannequin pour Lesley Hampton à la Semaine de la mode de Toronto.
Dans le domaine des arts visuels, Tess a organisé des expositions individuelles et collectives, animé des ateliers et des séances, et participé à des programmes avec l’Indigenous Friends Association. Elle a bénéficié de mentorat par le biais du Manitoba Arts Network (avec Lita Fontaine) et de Mentoring Artists for Women’s Art (avec Dr. Maureen Matthews).
Tracey Richard
Tracey Richard est une musicienne acadienne, une artiste multidisciplinaire et une travailleuse culturelle basée à Moncton, au Nouveau-Brunswick, sur les territoires traditionnels non cédés des peuples Wolastoqiyik et Mi’kmaq. Formée en tant que flûtiste classique, elle a ensuite étendu sa pratique créative aux arts médiatiques, travaillant dans l’animation en stop-motion, les installations audiovisuelles et les projections, souvent en collaboration avec son collectif d’artistes, Collectif HAT.
Son travail a été présenté à l’échelle nationale et internationale dans des festivals tels que Les Rendez-vous Québec Cinéma, le Festival International du Film sur l’Art, Les Sommets du cinéma d’animation et le Dawson City International Short Film Festival. En 2019, son film Le grous poisson a reçu le Prix La Vague ACIC/ONF du meilleur court métrage acadien au 33e Festival International du Cinéma Francophone en Acadie.
En tant que musicienne, elle s’est produite dans les provinces maritimes et a récemment participé au mentorat en production musicale Equité X de la Fondation SOCAN et au programme Women in Post de l’Académie canadienne du cinéma et de la télévision.
Après avoir été vice-présidente du conseil d’administration de Music New Brunswick pendant six ans, elle s’est maintenant jointe à l’organisation en tant que membre du personnel, coordonnant la cérémonie des prix Music NB 2025. Elle siège également au conseil d’administration du seul festival féministe de musique et d’arts du Nouveau-Brunswick, Miroir/Mirror, où elle a dirigé sa direction technique pour les deux dernières éditions.
En plus de maintenir une pratique créative à temps plein dans le cinéma et la musique, Tracey travaille actuellement comme coordonnatrice pour RE:FLUX, un festival de musique expérimentale et d’art sonore à Moncton, au Nouveau-Brunswick.
Tyra Jutai
Tyra Jutai est une multi-instrumentiste, chanteuse et compositrice née à Toronto qui tisse le drame, la séduction et la rébellion dans sa sonorité rétro-pop caractéristique. Pianiste de formation classique qui s’est ensuite étendue à plusieurs instruments, elle a trouvé sa voix à travers la narration, utilisant la musique pour naviguer dans le chagrin d’amour, l’identité et le chaos. Inspirée par les mondes cinématographiques, la mythologie et le glamour du vieil Hollywood, Tyra crée un univers sonore où la nostalgie rencontre le tranchant moderne.
Influencée par des icônes comme Shirley Bassey, Amy Winehouse et Ennio Morricone, sa musique est à la fois évasion et ancrage, incitant les auditeurs à célébrer la joie, l’amour et les contradictions de la vie.
Méthodique mais spontanée, Tyra construit chaque chanson avec intention, puisant dans la poésie, le cinéma et une profonde introspection. Sa personnalité sur disque est énigmatique et enjouée, embrassant sans vergogne la complexité. Que ce soit par le biais de mélodies sensuelles ou de voix planantes, elle invite les auditeurs dans un monde où le passé et le futur se rencontrent, les laissant autonomes et électrisés.
Wura Adisa/Wura Sol
Wura Sol est une chanteuse et compositrice soul nigériano-canadienne dont la musique mélange des éléments de jazz, de R&B, de gospel et d’afrobeats. Sa sonorité est riche en émotion et en narration, puisant dans ses expériences vécues, sa foi et ses racines culturelles. Reconnue pour sa présence chaleureuse sur scène et son interprétation brute, Wura crée une musique qui fait ressentir aux gens des émotions profondes et honnêtes.
Son parcours en tant qu’artiste est façonné par les déplacements entre les villes, les genres et les moments de la vie, et chaque chanson en témoigne. Elle s’est produite dans des salles de concert à Toronto et à Saskatoon, notamment lors de spectacles à guichets fermés au Bar Cathedral et au Handlebar, et a été présentée sur CMTV, à l’aéroport Pearson et lors d’événements pour le Mois de l’histoire des Noirs et la Journée internationale des femmes. Wura est récipiendaire de la bourse Arts Reach et continue de croître en tant qu’artiste grâce à la formation vocale, à la collaboration et au mentorat.
La musique de Wura Sol invite les auditeurs dans un espace de réflexion, de guérison et d’âme, où chaque parole a du poids et chaque note semble vécue.
Zymbul Fkara/R.Flex
Voici R. Flex, une créatrice de R&B impertinente. Elle n’a pas peur de mélanger la politique et les rythmes entraînants. Qu’il s’agisse de traiter Doug Ford de « timbit en poudre » dans une bobine virale sur Instagram ou de qualifier la greffe de cheveux de Donald Trump de soins d’affirmation de genre, elle mélange des commentaires acerbes avec une sensibilité R&B des années 2000. Canalysant l’esprit espiègle de Janet Jackson, Tinashe et Kelela, elle pousse le R&B vers des horizons passionnants. Son engagement envers la narration par le biais de la musique et de la mode explore l’intimité, la découverte de soi et l’identité. Elle remet en question les récits traditionnels de l’amour et de l’amour de soi, créant des espaces sûrs pour la joie et l’expression queer. En tant que personne transfemme noire non binaire, l’authenticité est au cœur de son travail.
Son EP Flex With Benefits de 2022, énergique, a été salué par Exclaim, Bandcamp et The Star. Mettant en vedette des collaborations avec Tafari Anthony et Desiire, l’EP explorait le désir et l’autonomisation queer. Des titres comme « Too Late », « 4U » et « DNA » ont été reconnus à l’échelle mondiale, apparaissant sur des listes de lecture queer à Amsterdam, Toronto et New York.
Dans son deuxième EP de 2022, Once Upon A Flex, R. Flex a ralenti le BPM, mais a accru la vulnérabilité, ce qui lui a valu les éloges de la critique d’Earmilk en tant que pionnière. En tant que l’une des premières artistes à se produire au Club Quarantine, ses performances électrisantes l’ont consacrée comme une étoile montante de la scène underground. Elle a fait la première partie d’artistes comme Haiku Hands, Khalifa et Shad avec un flair qui continue de faire sa marque. Distincte et avant-gardiste, vous avez toutes les raisons de Check The Flex.
Participants à l’accélérateur d’entrepreneurs de 2024
